Ya está a la venta "200 discos de bolsillo"!!!!

Enlace de compra: quarentena.xopie.com/

Descripción

Este libro no es una simple lista de discos. Tomando como referencia 200 ep’s, singles, mini-álbumes o maquetas, el rescate de estas obras que en la actualidad han pasado a ser carne de cañón de cd’s con bonus tracks o recopilaciones interminables, sirve para analizar los tiempos dorados de la música independiente. Enmarcadas entre 1977-91, durante estos años de ruptura con las tradiciones los formatos pequeños vivirán un estado de fascinante bonanza creativa. Ejemplo perfecto de todo lo que estaba ocurriendo, esta selección también nos sirve para adentrarnos en el nacimiento de las más diversas corrientes musicales - post-punk, shoegaze, noise, hardcore, synth-pop, post-rock - y en la vital influencia de sellos discográficos como Postcard, Rough Trade y Cherry Red. De todo esto y mucho más nos habla Marcos Gendre a lo largo de este estimulante viaje en primera clase a una época que cada día está más presente en la música del siglo XXI.

200 DISCOS DE BOLSILLO: 1977-91 UNA HISTORIA ALTERNATIVA EN FORMATO PEQUEÑO

Tic, Tac,Tic, Tac...No lo olvides, un día menos en el calendario y podrás disfrutar de más razones para poder llenar tu discoteca de nuevos tesoros. Para seguir abriendo boca, aquí tenéis otro listado de bandas que podréis remememorar o descubrir entre las páginas del libro: Einstürzende Neubaten, The June Brides, The Wolfhounds, Stereolab, DNA, Teenage Jesus and the Jerks, Earth, Nurse with Wound, Soft Cell, Fad Gadget, The Weirdos, Camper Van Beethoven, Violent Femmmes, Magazine, Echo & the Bunnymen, Morrisey, Asphalt Ribbons, American Music Club, Superchunk, Yo la Tengo, Big Black, The Jesus Lizard y un buen lote más. !Si hasta Mark E. Smith te lo recomienda!

200 DISCOS DE BOLSILLO: 1977-91 UNA HISTORIA ALTERNATIVA EN FORMATO PEQUEÑO

La semana que viene sale a la calle mi primer libro, "200 Discos de bolsillo: 1977-91 una historia alternativa en formato pequeño". Idea sacada de la misma sección de este blog, hago un recorrido por la edad de oro de la música independiente, recorriendo del punk a los orígenes del post-rock mediante una selección de 200 ep's y singles, correspondientes a otras tantas bandas emblemáticas o a reivindicar de aquellos años. Fugazi -en la foto-, Swans, Billy Bragg, The Clash, Mars, Sonic Youth, The Undertones, Eyeless in Gaza, Unrest, Half Japanese, Beat happening, Mission of Burma, Wipers, Prefab Sprout, The Associates, Spacemen 3, Wire, My Bloody Valentine, Kitchens of Distinction, The Pop Group,John Foxx, Suicide y muchos más protagonistas de un época irrepetible, a través de unas obras demasiado olvidadas.

HIMNOS EN LA NEVERA: Scratch Acid "Cannibal"

Sacrosanto montículo del post-hardcore ochentero. Amiguitos del Sr Albini. Y vaya si se nota...

LA DISTORSIÓN INTELIGENTE: Scratch Acid

Coces de hiena

Surgidos en desde los aires desérticos de Austin, Texas, Scratch Acid fueron un providencial   borrador de los posteriores The Jesus Lizard. Muchos más que una semilla de su proyecto más conocido, los tejanos comienzan a dar sus primeros pasos en 1982 mediante una primera alineación en la que aún no aparece el indomable David Yow como frontman.

Despegando definitivamente el día que Steve Anderson deja el grupo para embarcarse en una sorprendente aventura por el mainstrain más maloliente como director musical en las giras de Kilie Minogue, entre otras desfachateces, en su lugar, Scratch Acid encontrarán a Yow como su bestial  cabeza de león.

En la línea de los grupos de Chicago, como Big Black y Naked Raygun, Scratch Acid suenan más amenazantes que reivindicativos con esa frialdad rítmica de espectro industrial. Una conexión que les daría impulso para pasar su rodillo de punk-noise por diferentes ramas de los orígenes del rock del pasado, por medio de los que dejan su sello a cal y fuego a través de su debut homónimo en 1984: A ritmo de blues lacerante - “Mess” -; de rockabilly mugriento - “Monsters” -; bajo ondas de Metal enfermo en “El espectro” y “She Said”; y envueltos entre capas de cuerdas sintetizadas - “Owner’s Lament” -, Scratch Acid dejan claro que su discurso no se limita a la monotemática estilística preponderante en la mayoría de combos punk. Un discurso que queda reflejado en un debut que suena a todo menos a disco primerizo.

Las diferentes formas que le dan a sus cañonazos de rock atómico, junto al carisma intimidante de David Yow - un animal revolcándose entre espasmos de ruido sin correa - ponían a los tejanos oliendo el rastro de excelencia de Hüsker Dü o Minor Threat. Una grandeza que pronto perdería lustre el día que publican su primer largo, “Just Keep Eating” (1986).

Decepción en toda regla, Scratch Acid se equivocan en todas las decisiones tomadas en este álbum. Ya sin rastro del sonido mecanizado de su primer disco, empachados del pulso asilvestrado de The Birtday Party y sin la capacidad para mutar de piel como en el anterior. “Just Keep Easting es un disco fallido, viniendo de quien viene, y en el que llegan a recordar a los peores Faith No More - “Albino slug” -. Aun así, podemos sentir el vértigo de antaño a través de momentos como el funk desfigurado que propulsa “Cheese plug”; el punk caníbal en “Eyeball”; la carnicería sangrienta de “Big bone lick” y el psychobilly alucinado de “Damned for all time”. Cuatro momentos que dejaban un halo de esperanzas para el futuro y salvan de las quema a este paso en falso.

Tras “Just Keep Eating”, Yow, David Wim Simms, Bret Bradford y Rey Washam dejan Rabid Cat, sello discográfico del que nunca recibieron un dólar, para fichar por Touch & Go. Cambio hacia una casa que sabe ver su gran potencial, Scratch Acid aprovecha la ocasión para volver a los pastos inspirados de su debut con “Berserker” (1987), un ep compuesto con media docena de salvajadas en las que acentúan el peso del Metal, eliminan rastros de rockabilly y recuperan la dinámica imparable de su base rítmica. Sin llegar a los niveles de “Scratch Acid” (1984), aun así, recuperan el crédito con un disco notable y hasta se cuelan en el número siete de las listas independientes británicas.

Aprovechando su mayor reconocimiento fuera de los límites americanos, Yow y compañía se embarcan en una gira por Europa desde la que, cansados de vicisitudes, en Mayo de 1987 anuncia una retirada, que más bien será temporal.

Tras echar el telón a Scratch Acid, Simms y Washam forman Rapeman con Steve Albini, Bradford se desliga del trayecto de sus compañeros y Yow se dedica a esperar a los dos primeros para dar vida a The Jesus Lizard. Una banda tan continuista que el cambio de nombre original del grupo debió de obedecer a un simple capricho de sus integrantes. Ya a raíz de esta nueva aventura, Yow y los suyos conseguirán transcender en la escena post-hardcore de los ’90 con la fuerza de un elefante con sobredosis de Micebrina. Pero eso ya es otra historia, más grande.

RADIOGRAFÍAS: Family

Family: El mito

El culto más justificado de estas dos últimas décadas dentro del pop español, Family fue un dúo formado por Javier Aramburu e Iñaki Gametxogoikoetxea. Juntos desde 1983 mediante el grupo La Insidia, compartido junto al periodista Ricardo Aldarondo, no llegarían a publicar ningún disco durante su lustro de vida. Claramente influenciados por Décima Víctima en sus comienzos, en 1989 Javier e Iñaki pegan un cambio de rumbo bajo un nuevo nombre: El Joven Lagarto. En esta mutación se acompañan por la vital producción de Javier Pez - Parafunk -, junto al que grabarán una maqueta acústica con todos los cortes que darán vida al posterior “Un Soplo en el Corazón” (1993). En esta primera prueba física de su música ya se dan la mayoría de las claves de lo que hará de Family uno de los grandes grupos de la historia: Ecos de New Order, la influencia de Las Aventuras de Kirlian y una habilidad asombrosa por trazar melodías de una sensibilidad subyugante se convertirán en los mimbres a través del que su leyenda cogerá verdadera forma con su maqueta, “Octubre 1991”. Ya como Family, conocen a Fangoria quienes, quedando gratamente sorprendidos con su música de terciopelo, deciden llevárselos de teloneros en su gira de 1992, grabar a medias el single el single homenaje a Décima Víctima “El signo de la cruz” y prestarles su estudio de grabación, desde el que en 1993 nacerá su único disco: “Un Soplo en el Corazón”.

Ríos de tinta han corrido sobre este disco. Siempre adjetivada de la mejor manera posible, el álbum de Family lo que realmente necesitaría es un diccionario paralelo repleto de vocablos inventados con significaciones más generosas de lo habitual. Todo por acercarse a su imposible descripción en palabras mediante las que en los próximos párrafos intentaré desentrañar el misterio, que siempre irradia el arte en estado puro, provocado por artilugios tan excepcionales como éste.

Como dos androides con corazón infiltrados entre la especie humana haciendo informes sobre el comportamiento, miedos, recuerdos, amores y sueños de ésta, Javier e Iñaki encuentran la clave secreta de la “perfección” en catorce giros maestros, que destilan las pequeñas y grandes decisiones de la vida, y ante los que es imposible no sentirse identificado en alguno de ellos.

Tantas canciones como clásicos, escoger las más destacadas entre este semillero de pop, filtrado por los caminos más embriagadores de la epidermis, se hace solo decisión personal de quien lo escuche: la ruptura de “Yo te perdí una tarde de Abril”; el doloroso viaje de “El Mapa” ´- esta parece sacada de “Un Hombre Solo” (1984), el clásico de Décima Víctima -; el escapismo de “Viaje a los sueños polares”; el amor platónico de “Al otro lado”. No hay ser en este planeta que no haya pasado por alguna de las situaciones descritas por el tono neutro de la hiper fibrosa voz de Javier. Y aquí está precisamente la grandeza de esta obra atemporal a la altura de lo mejor de mitos como Vainica Doble y Surfin Bichos: El provocar al oyente a encontrarse más cerca de sí mismo, mejor.

Estamos delante de un disco que no solo consigue emocionar durante su embriagador trayecto, sino que también actúa como medicina del corazón y voz interior que ayuda a alimentar una melancolía sana, esperanzadora. Melancolía que se instala en los recovecos más evocadores del subconsciente, rescatando momentos del diario personalizado de cada uno de los que los escuchan.

Disueltos al poco tiempo de tamaño esfuerzo, nadie sabe exactamente las razones de una desaparición tan misteriosa como el secreto de su música. Después de haber construido el faro guía del pop español, la leyenda no había hecho más que echar a rodar.

Con un legado reducido a un único lp de título sacado en honor a la reveladora película de Louis Malle, “Un Soplo en el Corazón” tuvo una trascendencia que no ha dejado de crecer desde el feliz día que salió a la calle. Mejor disco de los ’90 y uno de los veinte mejores del siglo según la Rockdelux, este clásico fue profeta en su tierra, siendo uno de los rastros más distinguibles de la plana mayor del “Donosti Sound” - La Buena Vida, Le Mans -. Además de su evidente influencia en este género musical, su huella vital provocaría obras tan sorprendentes como “El Artista Adolescente” (2001) de Dar Ful Ful, algo así como su hermano pequeño. Inspirador de otros discos tan importantes como el “Popemas” (2000) de Nosotrash, “Impermeabilizado” (2001) de Carlos Berlanga o parte del discurso musical de Klaus & Kinski y La Bien Querida, el mito de Family no ha dejado de crecer y crecer desde que pusieron punto y final a una de las carreras más cortas e intensas del pop español y con la que incluso acabarían por superar en logros artísticos a Décima Víctima, su máxima inspiración.

Para certificar todo esto, no se me ocurre mejor manera que recordar el disco homenaje hecho por 14 artistas distintos interpretando cada uno de sus canciones. Bandas tan significativas como Los Planetas, Chucho, Parade y Astrud participarían en el mismo volviendo a aumentar el mono por una posible reunión que se ha hecho tan esperada como la de My Bloody Valentine a nivel internacional.

Disueltos al poco tiempo de la publicación de su único lp, nadie sabe exactamente las razones de una desaparición tan misteriosa como el secreto de su música.

Mientras esperamos lo imposible, Javier sigue con su trabajo como diseñador de portadas más respetado de nuestro país y a Iñaki Gametxogoikoetxea ya no se le encuentra ni con un GPS de última generación. Una pena, de las grandes, y más teniendo en cuento el enorme vacío imposible de llenar que dejaron. Pero bueno, el único consuelo que nos queda es saber que cualquier intento por igualar esta obra inmortal siempre sería fallido. Mientras pensamos esto, que mejor que seguir arropándonos con canciones como “Nadadora” y “Martín se ha ido para siempre” para pasar este permanente mal trago.

publicado en www.indie-spain.com/

HIMNOS EN LA NEVERA: Los Claveles "Nacional 42"

"Historias de extrarradio", Los Claveles dan con este postal de pop chulesco las claves de su corpus musical, uno de los más sustanciosos a las orillas de la meseta.

IBERIA EMERGIDA: Los Claveles "Mesetario"

Si hace unas semanas relatábamos las bondades expuestas por Prisma en Llamas y Atomizador, dos bandas procedentes desde la capital de España, ahora le llega el turno a Los Claveles, otra muestra de la plaga de talento con la que últimamente nos están contaminando desde el subsuelo madrileño.

Reponiéndose a la trágica muerte de su batería, Sergio Grulla, surge “Mesetario” como el mejor tributo posible a su persona. Un tratado irresistible de pop, punk y post-punk a través del que conviven en perfecta armonía salivazos de gusto anglosajón: a lo buzzcocks - “La Pena Negra” y “Unidad de Quemados” -; radiografías de los Talking Heads - “Acertijo” - y los Joy Division más terrenales - “Estafas” - junto a ecos de lo más granado del legado musical patrio, como Surfin’ Bichos - “Relicario” -; Loquillo y los Trogloditas - “La Ruta Destroy” - y Alaska y los Pegamoides - “Mesetario” -. Inevitables muestras del ADN por el que desprenden su discurso musical, lo mejor del caso, es que la autenticidad y sencillez con la que lo ejecutan hace que se diluyan en volutas de humo sus evidentes referentes. A esto, también ayuda la personalidad con la que retumba el bajo metronómico de Santos y los punteos agridulces y desenfadados que se escapan de la guitarra Marcos, filtrándose en la piel como una calcomonía indeleble.

Tema aparte ya son las letras, de las que no se olvidan ni a guantazo limpio. Revelador el tratado de la actualidad que desprenden bombas con la mecha gorda de “Estafas” o “Santos el Suave”, esta última es para escuchar con el orinal a mano, por si las moscas: Retratos de una España de extrarradio, perfilados con un humor de retorcido costumbrismo, codificado a través de la rutina vital de una juventud desencantada pero completamente integrada en el desolador panorama actual, de ese que no sale en los telediarios y ridiculizan en Callejeros, y más negro que el bigote de Aznar. Con Marcos como maestro de ceremonias, y su voz de colega de litrona, las canciones de Los Claveles transmiten una plena identificación con su mensaje que no es, precisamente, agradable, como suele decirse en casos donde uno consigue sentirse hermanado con lo escuchado. Y esto es bueno, y necesario, para los tiempos que corren. Ellos lo saben, y lo han clavado en once sobresalientes giros que se bifurcan por la carretera que bordea los barrios de esas ciudades dormitorio donde la vida transluce a través de las arrugas de sus “mesetarios”, sin papeles, camellos, poligoneros y ancianos, viejos y jóvenes.

Culminación de cuatro años repletos de genio, “Mesetario” certifica todo lo mostrado en sus anteriores publicaciones en formato pequeño - “Nacional 42” y “Tanatorio”, ambos de 2010 y “Los Claveles” (2009) -, depurando el encantador lo-fi destartalado de éstas y elevándolos al nivel de una de las propuestas más importantes de la actualidad.

Solo nos queda esperar que Marcos y Santos consigan salir adelante y hacer que Los Claveles no se quede en el mito gracias a nuevos discos que, visto lo visto, los vamos a necesitar, y mucho.

Publicado en elenanorabioso.com

HIMNOS EN LA NEVERA: Dinosaur Jr "Just like heaven"

Pero que bueno era el cabrón de Mascis! ¿La mejor versión de la historia? Una de ellas, seguro. La magia pop luminosa de Robert Smith fagocitada por un riff Luciferiano que marca la frontera entre un volcan de magma calcinado y el sueño de los hermosos vencidos. Toma flipa-dura!!

VERSUS: Bob Mould "Silver Ages" / Dinosaur Jr "I Bet on Sky"

Hola Frikis, indies y demás especies amantes del auténtico rugido. Desde hoy comienza una nueva sección con la idea confrontar discos que en su momento provocaron diferentes posturas entre las hordas melómanas. Historias de egos, odios, superación, no se me ocurre mejor manera que visualizar la crónica del pop a través de los sentimientos más primarios: los que realmente levantan pasiones.

Para abrir boca, que mejor que echar un vistazo a nuestro alrededor y proponer un duelo que significa, en la actualidad, el reencuentro entre dos viejos conocidos con tres décadas de carreras paralelas a sus espaldas llenas de relámpagos, más buenos que malos. A disfrutarlo toca.

Mitos inconfundibles del underground americano de los ’80, J. Mascis y Bob Mould vuelven al ruedo para hacer verídico el dicho de “Los viejos rockeros nunca mueren”

Mal anda el patio del noise-rock cuando la hornada más sobresaliente de los últimos años casi se reduce a los prometedores Yuck y Cloud Nothings,  más los tremendos No Age. Chungo, la verdad. Menos mal que contamos con dos tipos como Mould y Mascis con tres décadas de experiencia a sus espaldas, y ante los que paso del tiempo solo les viene a recordar que los michelines van apretando y dentro de poco se tendrán que comprar el Grecian 2000 para las canas.

Como si se tratase de un duelo en la cumbre, parece que Mascis y Mould se han puesto de acuerdo hasta en la salida de sus nuevos Lps con solo un margen de dos semanas de diferencia. De esta manera, y desde dinámicas totalmente opuestas, Mascis viene propulsado por el hecho de haber sacado dos de los mejores discos de su carrera, a raíz de su sorprendente renacimiento con Dinosaur Jr - “Beyond” (2007) y “Farm” (2009) -, mientras Mould toma un nuevo giro cambiando de discográfica y apoyándose en su brillante pasado mediante la reedición de toda su obra con Sugar y una necesaria biografía sobre su figura.

Haciendo un repaso de sus últimos logros, cualquiera con dos dedos de frente apostaría por el genio de Massachusetts. Sin embargo, con lo que pocos contaban a estas alturas de la película es que a Mould le sentara tan bien haber superado el medio siglo de vida.

Sin nada que demostrar, y solo teniendo que hacer lo que lo pide el cuerpo, Mould debe ir con un subidón de narices para plantarse en su debut con Merge records y ensamblar su disco más inspirado, directo y agresivo desde su sobresaliente Lp homónimo de 1996. Como si se hubiera tomado un chupito de mala hostia, Mould se impulsa en una poderosa base rítmica formada por Jason Narducy - Telekinesis - y Jon Wurster - Superchunk - y afila en piedra pómez los demoledores riffs provenientes de su guitarra, dando con algunos de los momentos más sembrados de su discografía en solitario - “Silver age”, “First time joy” y sobre todo la impresionante “The Descent” -.

Fusionando, como solo él sabe hacerlo, melodías azucaradas llenas de brío con un torbellino incontrolable de escaladas eléctricas, Mould no llega en “Silver age” a la altura de sus obras maestras con Hüsker Dü y Sugar. Lo que si consigue, es que volvamos a confiar en su habilidad para sacarse de la chistera himnos de power-pop como los que lleva fabricando a granel desde hace más de un cuarto de siglo, ya sea solo o acompañado. Y eso es mucho, muchísimo.

Desde la otra punta del antiguo Olimpo underground, Mascis, Barlow y Murph han conseguido hacer otro disco de esos que contagian la falta de pretensiones provocada por el buen recibimiento que tendrán, sí o sí, mientras recuerden mínimamente a su glorioso pasado reciente.  Tanta relajación esta vez no es que les haya jugado una mala pasada, pero si que a partir del arrollador binomio - “Don’t pretend you didn’t know” y el single “Watch The Corners” - que inaugurá “I Bet on Sky” empiezan a caer en la redundancia de sus patrones sonoros para provocarnos un poco la sensación de conocer lo que va a pasar en cada momento.

 Un viaje que no por conocido deja de  ser excitante, a lo largo de éste Mascis vuelve a gustarse sacando petróleo de sus dedos mágicos, siendo capaz de arreglar cualquier tipo de entuerto que se acerque peligrosamente al sopor - “I know it oh so well” y “See i ton your side”. Tirando de su molde de medio tiempo de corte “Crazy horse”, Mascis deja que Barlow le imprima una marcha más en “Rude” y “Recognition”, dos de los mejores momento de todo el lote, para llegar al Notable raspado.

Después de diez asaltos a hostia limpia, la decisión unánime es que “I Bet On Sky” pierde a los puntos ante lo nuevo de Bob Mould pero no decepciona, lo cual ya es suficiente. Porque, seamos sinceros, tanto en un caso como en el otro, nadie ya se espera un nuevo “Bug” (1988) ni un “New Day Rising” (1985) que vuelva a dejarnos con los pies un palmo por encima del suelo. Para eso, mejor aprovechar que están de gira, que es lo que realmente interesa: Regresar  al tembleque y los puños cerrados mientras nos pellizcamos cuando regresan del pasado “Freak Scene”, “Chartered Trips” o “I aplogize” a dejarnos la patata haciendo el pino. Y que nadie me hable de nostalgia, por favor.

RADIOGRAFÍAS: AINA

El punk-rock inteligente

Una de las bandas más importantes del panorama nacional, Aina abrieron la veta a un tropel de bandas nacionales post-hardcore y punk-rock - No More Lies, Lisabö, Standstill -, dando vida a una vibrante escena que no ha dejado de crecer desde mediados de los 90.

Echando a rodar en 1995 desde Barcelona, Aina pronto se abren paso con su vital unión a Bcore, para el que graban ese mismo año “Uptight” (Bcore, 1995), su primer single. El recibimiento de esta primera publicación es tan entusiasta que la dinámica de conciertos se expande a fuera de Catalunya, por todo el territorio español. Durante esta época llegan a grabar un single a medias con los americanos Rhyhtm Collision que los confirmará como uno de los más importantes valores a seguir. Ya durante la grabación de este disco entra Álvaro como nuevo bajista, quedando conformada la alineación clásica del grupo con el susodicho, Artur  - guitarra y voz -, Titi - guitarra - y Pau - batería -. Vuelta a los estudios tras su gira de iniciación, Aina comienzan a trabajar en lo que iba a ser su tercer single, hasta que por mutuo acuerdo con Bcore deciden recopilar sus singles y todo el material grabado hasta la fecha para dar cuerpo a a “Sevens” (Bcore, 1996), el primer álbum del cuarteto.

Apabullante debut en largo, “Sevens” (Bcore, 1996) suena a todo menos a colección de retales: homogéneo y certero en todos sus cortes, el primero Lp de Aina es una generosa tarjeta de presentación a su mundo fortificado con los cimientos del sonido promulgado desde Washington D.C. y a través del que también se intuye una influencia vital de ACDC o bandas de indie-rock vertiginoso como Superchunk .

Una de las propuestas más exportables de nuestra música, Aina se propulsarán a lomos del tremendo impacto de su álbum de presentación con una kilométrica gira. Saliendo de los límites peninsulares, empezarán a convertirse en unos habituales en Francia. Ya en 1998, los conciertos siguen sucediéndose, volviendo a actuar esta vez con temas que formarán parte de su siguiente lp, “Aina” (Bcore, 1999).

Haciendo un rodaje continuo de actuaciones en directo, Aina volverán a Francia en Octubre desde donde se meterán en los estudios Pole Nord con el ingeniero de sonido Fred Norguet, de gran reputación dentro de los círculos underground franceses, al no poder contar finalmente con Jay Robbins - Jawbox -.

De resultado sobresaliente, el segundo álbum de Aina es la verdadera piedra de toque desde la que Bcore comenzará a hacerse grande e influyendo a riadas de grupos nuevos que necesitaban un faro estatal para poder dar continuación al providencial camino abierto por los catalanes. A reseñar también la impresionante aceptación que tiene en el extranjero, convirtiéndose en la primera banda nacional vanagloriada desde los circuitos underground del indie americano.

Nada más salir el disco, Aina se embarca en una nueva vuelta a la actividad durante cinco semanas de actuaciones a lo largo de toda Europa, dejando muy claras sus intenciones de expansión a través de un trabajo sobresaliente y unos directos incontestables. En esta época  llegan a compartir escenario con bandas de la talla de Karate y Bluetip.

Vuelta a España, una dislocación en el hombro de Pau mientras hacía skate hace que tengan retrasar su presentación del disco en terreno nacional para el 14 de mayo en la Ciudad Condal, volviendo a dar comienzo a otra gira triunfal por territorio ibérico.

Nombrado uno de los mejores discos de aquel año en publicaciones como Mondosonoro y Rockdelux, esta última lo llegaría a colocar entre la lista de los mejores discos de la década, la gran aceptación de “Aina” (Bcore, 1999) llevará al cuarteto a una posición de privilegio a la hora de afrontar su siguiente paso discográfico.

Antes de éste, vuelven a embarcarse en nuevas aventuras en la carretera, esta vez junto a los de Washington D.C. The (Capitol City) Dusters - con los que llegarán a grabar un single a medias -, yéndose en octubre otra vez por Europa durante otras cinco semanas.

Tras un mas que necesario periodo de reposo, Aina siguen en boca de todo el mundo, y su reconocimiento les acabará llevando en 2001 a telonear a bandas del éxito de Queens of the Stone Age y At the Drive in. Mientras vuelven a la acción, nuevos temas van saliendo a la luz y esta vez con un premio mayor: la marcha a Washington D.C. para ponerse a las manos de Jay Robbins - Government Issue, Jawboz, Burning Airlines -.

 Cumplidos dos sueños en uno, “Bipartite” (Bcore, 2001) será el resultado de otra muestra del enorme potencial de la banda Barcelonesa. Sin llegar a los niveles de excelencia de su anterior Lp, estamos ante un disco que volverá a ponerlos en candelero. De nuevo críticas excelentes y con una gran aceptación entre las parroquias indies, Aina comenzarán una promoción que les llevará a dar más de 150 conciertos en 2002.

Después de una gira tan agotadora, las dificultades de vivir de un grupo musical en España, los compromisos familiares y la idea de formar Nueva Vulcano por parte de Artur, llevará a Aina a su disolución en 2003. Idea consensuada por los cuatro, llevan a cabo este mal trago de la mejor manera posible: despidiéndose a lo grande.

Dos maravillosos eps de despedida, publicados durante ese año, y una antológica actuación en la sala Apolo de Barcelona y otra en el Palm Beach de Sant Feliu de Guixols certificarán el fin de una de las trayectorias más importantes del punk-rock español y europeo de las dos últimas décadas, tras la que cada uno de sus componentes tomará direcciones distintas. De éstas la de Artur será la más rastreable a partir de ese momento. Con éste metido de lleno en Nueva Vulcano, Pau viviendo en Washington D.C. y el resto del combo desconectado del mundillo, Aina no ha dejado de sonar durante todo este tiempo, gracias también a esporádicos conciertos que, sin embargo, nunca han tenido pinta de hacernos pensar en una vuelta deseada por muchos.

RADIOGRAFÍAS: MARGARITA

Centrifugadora de post-hardcore tropical

Sin duda una de las bandas más interesantes del panorama musical patrio, Margarita nace en 2004 con la Universidad de Madrid como punto de contacto para que Harry, Hugo, Pesquera y Coque, aprovechando que estaban sin grupo, decidan unir fuerzas, escribiendo el primer capítulo de la propuesta más sustanciosa y alucinada, junto a Ginferno, de la escena sub-underground madrileña surgida a comienzos del 2000.

Empezando a rodar sin Coque, pero sabiendo que en unos meses se les uniría, Margarita va perfilando su sonido esperando el momento de su oportunidad. Ésta les llega cuando son invitados a tocar con Veracruz en un concierto para el que solo contaban con siete canciones y aún no tenían ni nombre para la banda. Con solo un día para pensarlo, e influenciado por su lectura de “El maestro y Margarita” de Bulgakov, Hugo le pone el nombre provisional de Margarita que a la postre sería el definitivo.

El debut discográfico, se produce con la aportación de “Russia” para uno de los recopilatorios de Subterfuge,  tema que incluirán en su primer single, el sorprendente “Atch” (Afeite al perro, 2005). Será durante esta época cuando Margarita multiplicará sus actuaciones en directo. Aprovechando su mayor actividad, se embarcarán en la grabación de un disco compartido con Grabba Grabba Tape llamado  “Tirando Bombitas” (Holy Cobra Society, 2007) -. A raíz de esta obra, surgirán problemas con la producción que harán que su publicación se retraso un año, creando dudas sobre la continuidad entre la formación madrileña que, por suerte, son rápidamente disipadas. Con “Tirando Bombitas”, como  soporte para una gira de diez días con GGB, Margarita van tocando temas que incluirán en su debut para Bcore.

Ya desde Bcore, Margarita ensamblan “Parque Mágico” (Bcore, 2008), un disco asombroso que dejará al más pintado apabullado ante semejante artefacto de post-hardcore esquizofrénico ejecutado con el pulsómetro siempre al límite.  Uno de los grandes discos nacionales de aquel año, “Parque mágico” supone toda una revelación, dejando el listón altísimo para su siguiente movimiento. Publicado un año después del último Lp de Nisei y cuando No More Lies anuncia su retirada, Margarita pasan con “Parque Mágico” a convertirse en la apuesta más atractiva de Bcore.

Valientes y audaces, Margarita salen al paso de las tremendas expectativas creadas con su primer lp girando unos grados el punto de mira en su siguiente objetivo: “Explota el Cuerpo” (2010).  Ya sabiendo que cambiarán el inglés por el castellano antes de entrar en el estudio, Margarita encentrarán las claves de su nuevo sonido  durante un proceso de grabación en el que Hugo prueba a utilizar la guitarra como si fuera un juguete, afilando y coloreando el discurso del grupo, mientras se tiñen de aromas tropicales. La jugada no solo les sale bien, sino que incluso superan su debut, volviendo a recibir un apoyo masivo por parte de toda la crítica musical independiente y de una, cada vez mayor, congregación de seguidores.

Después de tan espléndidos resultados, Margarita sigue, cuando sus trabajos se lo permiten,  con una actividad constante de giras, proyectos paralelos, como el de Hugo - junto a Pablo Santoro de Ensaladilla Rusa - al frente de Prisma en Llamas, y dando vida al estrambótico blog “Margarita lo hace!”. Una constante actividad que nos mantiene alerta, a la espera de que de su  nuevo paso discográfico para que vuelvan a dejarnos  de una pieza,  bailando como posesos en una imaginaria rave punk de frenopático.

 “Parque Mágico” 2008

Tribales, convulsos, y speedicos “Parque Mágico” son 21 minutos, encapsulados en 11 canciones, que suenan como una centrifugadora de post-hardcore escacharrada con los discos de Big Black, Animal Collective,  Fugazi, y el “Surfer Rosa” (1988) de los Pixies dando vueltas sin parar en un eterno bucle de ruido inteligente. Referencias a las que recuerdan, pero que solo en el caso de los Pixies podemos citar como verdadera influencia, Margarita de los que toman verdadero ejemplo es del personal uso del “Do it yourself” que promueven grupos estatales como Ginferno o Le Jonathan Reilly.

Irresistible demostración de poderío exacerbado. Margarita va disparando canciones en constante mutación como el que está en la feria con la escopeta de balines buscando el premio mayor, y acertando siempre en el objetivo. Esto es posible gracias a una palpitante  ejecución instrumental donde las guitarras se entrecruzan sin permiso, coros de dibujos animados hacen estallar las melodías y la base rítmica esta en constante estado de alarma. Un marco ideal para el que surjan pepinazos como “Trip-Trap”, “Butter Coin” y “Birdssing”. Por si  fuera poco, Margarita nos da pistas de las inclinaciones estilísticas que tomarán en su siguiente Lp con los punteos de tropicalismo selvático escondidos tras la maraña de electricidad oxidada que asola “Liar’s test”, “Parque mágico” y “Super Dandzysm”.

Producto del sello Bcore, podría colar también como la novedad del mes en Dischord Records. Y eso dice mucho de una banda que se erige como unos de los cabecillas de la incipiente escena de post-hardcore que tantas alegrías nos está dando, desde comienzos de la década pasada, al son de grupos tan relevantes como Nisei, A room with a view, Aina, Lisabö y los propios madrileños. Matrícula de honor, por supuesto.

“Explota el cuerpo” (2010)

No se presentaba fácil la situación, intentando volver a sorprender tras el sobresaliente “Parque mágico”, la verdad. Pero como solo la gente con un permanente grano en el culo puede hacer, este cuarteto de trituradores del rock más frenético se marca un trascendental paso adelante y deciden depurar su sonido, sin perder la intensidad, mientras se pegan un reparador baño de pop tropical.

 Ante este crucial cambio, a  cualquier mal pensado lo primero que le vendría a la cabeza sería un intento, por parte de Margarita, de beneficiarse de la corriente de tropicalismo originada por El Guincho. Nada más lejos de la realidad, para empezar en su anterior disco ya había algún apunte de esta faceta en el código sonoro del grupo madrileño. Luego viene lo más importante, y es que la integración de estas recientes sonoridades sirven para filtrar todo el magma incandescente, del que siempre han hecho gala Margarita, en una colorista deformación de su original discurso de post-hardcore asilvestrado, y no en un cambio de dirección hacia formas más sencillas y digeribles.

Con las voces por encima de su agitado entramado instrumental, y esta vez cantando en castellano, Margarita perfilan en “Explota el cuerpo” una maravillosa evocación de tan profético título gracias una colección de estallidos, en tonalidades deslumbrantes, provocados por cortes tan explícitos como “Cubos de luz y cristal”, “Fuego, camina”, “Arde la gente”, “Luces de colores potentes” y la propia “Explota el cuerpo”.

Nueva demostración de los madrileños, “Explota el cuerpo” es el documento exacto de un grupo en su mejor momento, y de los que esperamos que no sea su postrera genialidad ante el, siempre, “difícil tercer disco”.

Prisma en Llamas/Atomizador

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Disco compartido por Prisma en Llamas y Atomizador, el sello Afeite al perro sigue promulgando su radical perspectiva del DIY dentro de una escena a la que está dando un necesario colorido natural, sin los tintes ya conocidos de tonos artificiales que nos venden los de ahí arriba con su rutinaria cadena de producción, desde la que no dejan de salir copias y copias de Los Planetas, Nacho Vegas y Manel.

Marcándose un territorio de absoluta libertad creativa, grupos como los que nos conciernen en este artículo son los que junto a Margarita, Montañas, Thelemáticos, Los Claveles, Fasenuova o Bestia Ferida están proponiendo una alternativa “real” a la industria musical de este país.

Yendo al meollo de la cuestión, este disco es uno de las más auténticas pruebas de genio que vamos a vivir a lo largo de 2012. Con siete cortes sin título de Atomizador por un lado, y  cuatro de Prisma en Llamas por el otro, el resultado de la unión de estos viejos conocidos no podría ser más satisfactoria - Pablo de Prisma y Jose ya habían coincidido en los infravalorados Ensaladilla Rusa -.

Empezando por Atomizador, viene a certificar lo expuesto en “Pop Radical” (2011)  mediante un torbellino acústico de puro frenesí ejecutado con pulso punk sobre el que Daniel Johnston y los Beach Boys se corren los cien metros en una silla de ruedas sin frenos. Siempre rondando el minuto de duración por corte, no esperes encontrar melodías al uso en este desenfreno revitalizador. Ni falta que hace.

En lo que se refiere a Prisma en Llamas, las bondades del genial “Aeropuerto extrañamente blanco” (2010) se refinan y concretan en un resplandeciente poker de ases. Y es que si Hugo - Margarita - y Pablo - Ensaladilla Rusa, Bicicross - llevan a rebosar el depósito de la inspiración, como en  esta nueva ocasión, todo es posible y aquí deviene en un cometa de pop rabioso, expansivo y ensoñador, a partes iguales, que noquea con la determinación del que siempre sabe la dirección correcta de sus golpes. No puede ser de otra manera con momentos de magia pura como “”L’indret fosc” y “Tori Kudo”, dos de los temas del año, y juguetes de pop taquicárdico del poder regenerador que irradia la vibrante “Hay una selva” y la policromática “Ballenas”.

Programaciones terriblemente sugerentes, borbotones de electricidad angulada y luminosa y juegos vocales que se cuelan sin invitación en el subconsciente, Prisma en Llamas han dado con la fórmula secreta desde la que están perpetrando algunos de los momentos más  pletóricos de la música reciente. Que así sea por muchos años. 

Publicado en http://www.elenanorabioso.com/2012/09/prisma-en-llamasatomizador/

HIMNOS EN LA NEVERA: Hidrogenesse "Historia del mundo contada por las computadoras"

Tan sobrados que se permiten el lujo de dar una lección de historia desde una perspectiva la mar de sana de lo que debe significar el término "conceptual".

IBERIA EMERGIDA: Hidrogenesse "Un Dígito Binario Dudoso. Recital para Alan Turing"

Ahora sí que sí. Para el que tuviera alguna sospecha sobre la magnitud real de Hidrogenesse, con “Un dígito binario dudoso. Recital para Alan Turing”, estas quedan completamente disipadas, pasando por encima de cualquier expectativa, creada hace ya más de una década, cuando al dúo formado por Genís Segarra y Carlos Ballesteros se les dio por comenzar una aventura paralela de Astrud, el proyecto principal del primero. Ahora mismo, Hidrogenesse no solo se ha convertido en mucho más que un complemento de la otra banda de Genís, sino que además ha pasado a convertirse en su principal empresa, desde la que ya con el enorme “Animalitos” (2007) había dejado a más de un despistado con la boca abierta y la saliva por los pies.

Haciendo un uso global de Hidrogenesse, Carlos y Genís nunca se han contentado con solo sacar discos propios y dar conciertos. Puntales del sello Austrohúngaro, productores y apoyando a artistas tan interesantes como Espanto y Lidia Damunt, la apretada agenda de Hidrogenesse no está, precisamente, exenta de huecos en blanco para dar rienda suelta a sus intereses personales, por eso cuando encuentran tiempo para dar cuerpo a una obra, tan genial como la que nos ocupa, es motivo de celebración.

Rizando el rizo, lo que hidrogenesse nos muestran en este nuevo Lp es una esplendorosa colección de temas donde un proverbial arsenal de sintetizadores analógicos sirven para construir el soporte perfecto a estos retazos de historia sobre ordenadores, homosexualidad y el mundo industrial surgidos de la fascinante biografía del mítico científico, y genio de las computadoras, el británico Alan Turing, adaptándolas con plena solvencia a su propio código temático. A todo esto, le unimos que se encuentran más inspirados que nunca, y lo que nos resulta en una maravilla donde las líneas maestras trazadas en “Animalitos” se cruzan con mayor homogeneidad en esta media hora condensada por ocho cortes sin desperdicio alguno.

Compuesto por algunos de los mejores momentos de Hidrogenesse, “El Beso”, “Love Letters” y la impresionante “Historia del mundo contada por las computadoras” no hacen más que ratificar el permanente estado perenne  por el que pasan estos dos magos del pop de apariencia fría, pero de emociones reales, y de los que esperamos que esta vez no nos hagan esperar otro lustro para volver a deleitarnos con otro Lp de esos que elevan categóricamente la media del pop ibérico.

Un último y, más que curioso, dato viene sobre la génesis de este lp, realizado tras recibir el encargo por parte del Centro de Artes de Sevilla para realizar una canción sobre Alan Turing,  encaminada a formar parte en su exposición sobre tecnología y arte. Enamorados de las impresionantes memorias de Turing,  durante el proceso de investigación para dar forma al tema, Carlos y Genís deciden dejar su “disco sobre piedras” y se embarcan de lleno en la creación de esta genialidad que, aún por encima, coincide con el 100º aniversario del nacimiento de Turing. Desde luego, mejor homenaje no podría recibir.

publicado en www.livetheroof.com/

HIMNOS EN LA NEVERA: Esclarecidos "Por amor al comercio"

La balada definitiva. Después de esto, todo lo demás será una mera anécdota.

RADIOGRAFÍAS: Nisei

Electrizante Jungla de post-hardcore multicolor

Desde Vilassar de Mar, con los dientes apretados y chorreando litros de electricidad, surge en  2002 uno de los fenómenos más apabullantes y extraordinarios, de la década pasada, el día que tres amiguetes, Cristian, Alfons y Edu deciden unir sus fuerzas, bajo el nombre de Nisei, para dar cuerpo a su apabullante caudal de visceral creatividad.

Inspirados tanto en la vertiente post-hardcore de Washington D.C. - Fugazi, Jawbox - como en la de Lousville - Rodan, Slint - Nisei van configurando su perfil musical con trazo firme y seguro, grabando una primera demo que llegará a las manos de los responsables de Bcore en 2004, año en el que fichan por la casa madre del hardcore nacional, y desde donde comenzarán a trabajar en la confección de “More Lights” (2004) , un debut sorprendente de post-hardcore rocoso e intenso grabado con la sabia ayuda a la producción de Karlos Osinaga, bajista de Lisabö.

Críticas fabulosas y unos conciertos demoledores ponen a Nisei, nada más aterrizar en suelo indie, como una de las propuestas más consistentes del nuevo panorama nacional. Ante esta oportunidad de seguir avanzando por el terreno marcado en “More Lights”, Nisei resuelven tomarse un tiempo antes de tirarse del avión sin paracaídas, pegando un giro brutal de 180 grados en su concepción sonora. Para provocar este cambio radical,  se producen una serie de decisiones, entre las que destacan el paso de trío a cuarteto, integrando a Marc Balfagón en el combo; el cambio del inglés por el catalán, a la hora de cantar, y la libérrima apertura estilística hacia el dub, el rock exprimental y los ritmos tribales. Todos estos nuevos cauces aplicados a la ya conocida base post-hardcore, unidos a su perenne estado de forma, provocarán que su segundo Lp, “Continents” (2007), sea un brutal punto y aparte con el que abren, de par en par, sus posibilidades expresivas.

Después de esta obra capital, los diferentes miembros Nisei se irán embarcando en proyectos paralelos como los de Edu en Be Brave Benjamin; Alfons como músico de Ainara Legardon y capo del nuevo sello discográfico “Gándula”; y Cristian al lado de La Orquesta de la Muerte y también de Sedaios. Al mismo tiempo que toda esta labor, Nisei van comentando la creación de un próximo lp, que nunca llegará, con inclinaciones más pop y guitarras más coloristas.

Después de tres largos años sin material nuevo, el nuevo álbum no acaba de llegar, siendo la verdadera continuación de su anterior lp el single “Chez Alphonse #1” (2010), última prueba discográfica del combo catalán, compartida con sus amigos ZA!, tras la que tomarán la dura determinación de clausurar, por un tiempo indeterminado, su trayectoria musical a través de un escueto mensaje emitido por myspace.

Solo esperemos que después de estas últimas noticias, podamos seguir  viviendo de nuevas aventuras musicales encabezadas por estos cuatro jinetes del rock más valiente, y desatado,    que se hace por aquí, y que tan solventemente han domado a su gusto por medio de su  sembrada discografía.  

“More Light” (2004)

Debut en largo de Nisei, “More Light” es una de las prolongaciones más inteligentes que se hayan hecho nunca del inmenso legado proveniente de las tres escenas principales del post-hardcore americano - Washington D.C., Chicago y Lousville -  del que, por otra parte, ya habían comenzado a hacer suyo bandas nacionales del calibre de Aina, No More Lies y Lisabö. Será precisamente de esta última, de donde viene Karlos Osinaga para producir, de forma magistralmente austera, esta obra tallada como una bola de acero.

Dirigida por los latidos de un corazón pidiendo auxilio, “More Light” se beneficia de una base rítmica seca y fibrosa desde la que Alfons - Batería - y Edu - bajo - entrelazan sus instrumentos como en una ecuación matemática resuelta antes de plantearse. Sobre esta cama de faquir plegable, Cristian no para de aprovecharse de una continua sucesión de frenazos en seco, aceleraciones escalonadas y cambios de ruta a través de los que su lejana voz, tan seca como dolorida, aparece para dotar al temario de un providencial grito desgarrador. Para que este tenga incluso más fuerza, Cristian utiliza las seis cuerdas con un libro de instrucciones a partir del que es capaz de hacer un uso providencial de la electricidad mediante contenciones selváticas - “More Light”-;  abstracciones hipnóticas - “Departure” - cabalgadas sin sillín - “Hours we spent” - y muros impenetrables - “A phone call” -. Todo un arsenal de recursos a través del que podemos percibir indisimulados guiños a Sonic Youth, Fugazi, Rodan, Shellac y, sobre todo, Jawbox,  banda a la que también recuerdan por esa manera de buscar melodías que no entran  a la primera, pero que, inexplicablemente, no puedes dejar de escuchar hasta que, después de varias escuchas, caes abrumado ante la emoción primigenia que destilan.

Dentro de la insultante homogeneidad  de “More Light”, cabe señalar “As a chain reaction” y “The north and south song” como dos momentos cumbre, por los que hasta sus máximos referentes musicales hubiesen matado en su mejor momento, y que certifican la  absoluta atemporalidad de este descomunal lp.

“Continents” (2007)

Con Mar Folguera a la guitarra, como nuevo componente del grupo, y pasando del inglés al catalán, Nisei dejan en “Continents” los ritmos matemáticos de “More Light” (2004) para embarcarse en travesías sin brújula, ni GPS que valga.

Buscando nuevas tierras vírgenes durante este viaje, sin retorno posible, Nisei encuentran su particular Fontana de Trevi en las aguas del dub - “Tortuga” -; el post-punk rompepistas - “Aquest joc” -; el minilmalismo no wave - “Sagitar A” -; los ritmos africanos - “Una semana sencera” y una exposición más asilvestrada del post-hardcore cimentado en su anterior Lp - “Al carrer “, Éxode” y “Després del primer” -. Para poder llevar a cabo estas formulaciones de sonido tribal, Nisei no solo descomprimen la tensión de su caparazón sonoro, sino que, además, añaden nuevas herramientas a su discurso instrumental ya conocido con xilófonos selváticos, percusiones alucinadas, coros primitivos y trompetas solitarias - de las que ya habían hecho uso en “Instrumental for Rocky”, tema de “More Light -.

Con toda esta total ampliación de perspectiva, Nisei consiguen abrir la válvula del oxígeno al máximo, haciendo que las canciones respiren con total libertad por pentagramas musicales, en perpetuo movimiento,  donde una refrescante anarquía guía el trayecto de esta decena de canciones maravillosamente frondosas.

Para redondear el resultado, Nisei dejan la masterización de “Continents” a cargo de Bob Weston - bajista de Volcano Suns y Shellac -, quien aporta el necesario tono ocre al sonido para que esta enorme obra se agarre con firmeza a los vertiginosos niveles de libre albedrío, e inspiración, sobre los que se mueve tan campantemente.

“Chez Alphonse”

Siguiendo por los caminos de absoluta libertad expuestos en el antológico “Continents” (2007), Nisei comparten single con ZA!, el tercer corte es suyo, para certificar el fin del cuarteto por medio de dos nuevas lecciones de música en estado puro, desde las que vuelven a revolcarse en celebraciones africanas de ritmos libérrimos, conformadas por el impacto más directo y afilado de “Ens trobávem a faltar” y la desparramada jungla festiva de “Des d’aquesta banda”.

Un nuevo par de razones por las que añorar al tremendo cuarteto de Barcelona, que en esta postrera obra seguía deslumbrando aunque ya no diera señales que nos recordaran a sus espectaculares comienzos desde las trincheras del post-hardcore.

publicado en http://lafonoteca.net/

IBERIA EMERGIDA: Cristina Lliso "Si alguna vez"

14 años son demasiados sin una de las grandes voces que haya dado nunca el pop español. Solo por este feliz suceso, hay que darse con un canto en los dientes ante la aparición de “Si alguna vez”. Lo bueno del caso, es que aquí acaba la anécdota. Nada más empezar a escuchar esta  vuelta, por todo lo alto, nos vamos dando cuenta, al compás de los primeros acordes de “No viajas sola”, que estamos ante algo muy, pero que muy, grande.

Hecho rodeado por su familia, en “Si alguna vez” Cristina Lliso destensa sus cuerdas vocales para volver a tejer armonías graves, tan celestiales como cercanas, desde las que va dibujando viñetas de palpitante poesía cotidiana sobre el inevitable paso del tiempo, los amores perdidos o el rutinario día a día.  Y es aquí, donde Cristina se desmarca del resto del pelotón con unas letras, la primera vez que se atreve con la autoría de la mayoría de ellas, encapsuladas en una interminable colección de frases sencillas, tremendamente evocadoras, y de las que me es imposible no reproducir alguna: “Todo esto que yo tengo no cuesta lo que yo quiero, solo tomar la decisión” (“En Otro Mundo”); Yo sentada, tú sentado, yo te quiero, tú me quieres, yo el sudoku del diario, tú jugando a la playstation” (“Viernes”); “Por el barranco de las confesiones, donde encuentras razones / la  antesala de una sala de espera, miradas fijas en la nada sin ver, buscando un cambio de dirección sigues preguntándote el por qué (“Para que prometes”).

Mas desnuda que nunca, y a cámara lenta, Cristina se acompaña de guitarras en voz baja, una base rítmica sugerida de jazz-pop, y, siempre, algún puntual pequeño arreglo de resultados mayores. De esta manera, nadando por encima de las canciones, Cristina deja una colección de cortes, que son como una planta en pleno crecimiento, desde la que podemos contemplar como van brotando canciones en las que la fecha de caducidad se ha borrado para siempre, y  que siempre ganan a cada nueva escucha.  Momentazos como “La duna de Pyla”, “Viernes”, “En otro mundo” o “No viajas sola” vienen a reclamar el trono de pop otoñal heredado por la quintaesencia del “Donosti sound”, patentado en los ’90 por Le Mans y La Buena Vida, y del que Cristina siempre ha sido la más legítima poseedora.

Ahora solo esperemos que, en el futuro, Cristina nos malacostumbre con nuevos  tesoros de buhardilla entregados en periodos de tiempo menos guadianescos. 

publicado en www.livetheroof.com/